Женщины в искусстве: 5 художниц, с которых стоит начать знакомство с темой

История искусства и в наши дни остается преимущественно собранием историй о творчестве художников: мужскими именами отмеряют периоды, описывают творческие революции и стили. То, что долгое время искусство оставалось мужским делом, — факт. Но все это время находились и женщины, которые решились подойти к мольберту и добились успеха.

Лавиния Фонтана. «Автопортрет со спинетом и служанкой», 1577 год, Академия Святого Луки, Рим © Public Domain

Лавиния Фонтана, итальянская художница Позднего Возрождения, не была первой женщиной, которая занималась живописью профессионально и могла благодаря ей обеспечивать семью (а у нее было 11 детей). Но считается, что она была первой, кто брался за «мужские» заказы.

Прежде женщинам доверяли писать в основном портреты. А Лавиния Фонтана легко справлялась с большими полотнами на религиозные и мифологические сюжеты: за них больше платили, они приносили славу. Более того, Фонтана позволяла себе писать обнаженных персонажей. Предполагают, что она была первой женщиной, которая писала ню с живых моделей (до этого художницы могли использовать вместо живых натурщиков статуи).

Лавиния Фонтана. «Визит царицы Савской к царю Соломону», 1599 год, Национальная галерея Ирландии, Дублин © Public Domain

Как и многие художницы ее времени, Лавиния Фонтана многим обязана своему отцу: он был художником, дал ей хорошее образование (она знала латынь, играла на спинете), выдал замуж за своего ученика Джан Паоло Заппи — как видите, жена превзошла мужа по популярности.

Фонтана имела успех при жизни. Ей покровительствовали римские папы, ее профиль был отлит на бронзовом медальоне. Однако в истории ее имя едва не затерялось. Многие ее работы были ошибочно приписаны Гвидо Рени. Такие ошибки — вполне обычное дело. Когда у историков искусства было недостаточно инструментов для точного установления авторства, они часто приписывали произведения художниц их талантливым современникам-мужчинам.

Уже в конце 19 века женщина, желающая посвятить себя живописи, не вызывала больших подозрений и возмущения. Но до этого такой выбор сулил много препятствий и даже неприятностей. Однако история искусств знает массу женщин, которые приняли вызов и стали художницами, притом выдающимися — например, Софонисба Ангвиссола, Артемизия Джентилески, Клара Петерс, Юдит Лейстер.

Берта Моризо. «Автопортрет», 1885 год, Музей Мармоттан-Моне, Париж © Public Domain

Берта Моризо — женщина, у которой получилось все. Увлечься не только живописью Эдуарда Мане, но и им самим, однако сохранить холодную голову и не ввязаться в роман с женатым мужчиной, а выйти замуж за его брата, Эжена Мане. Стать счастливой женой и матерью — но не отказаться ради этого от искусства. С одинаковым успехом выставляться в парижском Салоне, самом респектабельном художественном смотре Франции, и на скандальных выставках импрессионистов.

Берта Моризо. «Дама за туалетом», 1875–1880 годы, Институт искусств, Чикаго © Public Domain

Берта Моризо не шла против правил. Она с удовольствием носила платья и шляпки и без всяких сожалений писала «маленькие», «женские» сюжеты: семейные сцены, дам с детьми и животными, розы и нарциссы. Но писала так, что пользовалась уважением своих коллег-мужчин. Иногда мужчины позволяли себе подсматривать у нее композиционные решения для собственных работ, но даже не пытались соревноваться с ней в том, чтобы добиться на полотне таких же жемчужно-белых оттенков, которые умела писать одна только Берта Моризо.

Искусство импрессионизма не было бы полным без произведений американок Мэри Кэссет и Сесилии Бо, датчанки Анны Анкер, француженок Мари Бракемон и Евы Гонсалес.

Зинаида Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет», 1909 год, Третьяковская галерея, Москва © Public Domain

Лучшие произведения Зинаиды Серебряковой, созданные до ее отъезда из России во Францию, относятся к Серебряному веку русского искусства, а вот ее жизнь, которая могла быть с золотым отливом, сложилась иначе. Она происходит из артистических семей Бенуа и Лансере, у нее большой талант и хорошее образование, любящий муж, четверо детей и имение, в котором можно жить и творить в удовольствие. Ее автопортрет у зеркала принимают восторженно. Казалось, впереди личное счастье и успешная карьера. На самом деле — слом эпох. Муж умирает от тифа. Имение разгромлено и сожжено. Семья остается на попечении художницы. В 1924 году Серебрякова получает заказ во Франции, но вернуться домой после выполнения работы уже не может: двоих детей удастся забрать, а двое останутся в России — с дочкой Татьяной она увидится только через 36 лет.

Зинаида Серебрякова. «За завтраком», 1914 год, Третьяковская галерея, Москва © Public Domain

Во Франции Серебрякова не станет своей, а многочисленные натюрморты будет писать просто ради выживания. Однако бытовые тяготы и личные переживания никогда не омрачат ее полотен: ее живопись при любых обстоятельствах будет оставаться гимном жизни. Впрочем, и у длинной жизни художницы будет счастливый финал: она застанет признание на родине, где ее картины будут снова, как в молодости, принимать с восторгом.

Зинаида Серебрякова работала в 20 веке, но не злоупотребляла формальными экспериментами и работала в реалистической манере, которая никогда не утрачивает популярности у зрителей. Если вам нравится такой подход, обратите внимание на произведения Антонины Ржевской и Эмилии Шанкс (они стали первыми женщинами среди художников-передвижников), Елены Поленовой, Марии Башкирцевой, Елены Киселевой.

Посетительница у картины художницы Наталии Гончаровой«Евангелист» на выставке «Между Востоком и Западом» в Третьяковской галерее в Москве, 2013 год © Григорий Сысоев, РИА Новости

В 1913 году на выставке в Москве Наталия Гончарова показала более 750 своих работ. Кроме плодовитости, поражал воображение диапазон ее интересов: от импрессионизма до лучизма. Одни восхищались широтой взглядов, другие критиковали за всеядность и отсутствие собственного стиля. Не все и не сразу поймут, что собственный стиль и метод Гончаровой — это постоянный поиск нового и синтез впечатлений в самобытные образы.

В поисках источников вдохновения Гончарова смотрит во все стороны: ей интересны Матисс и Сезанн, древности Египта и других африканских стран, православные иконы и русская вышивка. Она примечает все и отметает обвинения в несамостоятельности: «Эклектизм? Я этого не понимаю. Эклектизм — одеяло из лоскутов, сплошные швы. Раз шва нет — мое. Влияние иконы? Персидской миниатюры? Ассирии? Я не слепая. Не для того я смотрела, чтобы забыть».

Половину жизни вместе со своим многолетним спутником, а потом и мужем, Михаилом Ларионовым Гончарова прожила во Франции. Ее работы теперь составляют гордость не только российских музеев, их изучают специалисты не только в области живописи, но и в области театра: Гончарова создавала костюмы и декорации к знаменитым балетам Сергея Дягилева. Неравнодушны к Гончаровой и историки моды: она сделала популярным платье-рубашку и практиковала в начале 20 века боди-арт, рисуя картины на своем лице.

Начало 20 века было в российском искусстве временем экспериментов и художественных открытий. Пересмотром многовековых традиций и открытием новых горизонтов женщины занимались наравне с мужчинами. Позже искусствоведы придумали для художниц этого периода термин «амазонки русского авангарда». Кроме Наталии Гончаровой, к ним относят Александру Экстер, Ольгу Розанову, Любовь Попову, Варвару Степанову, Надежду Удальцову.

Фрида Кало. «Автопортрет с терновым ожерельем и колибри», 1940 год, Техасский университет, Музей Блэнтона, Центр Гарри Рэнсома, Остин © Ambra75, CC BY-SA 4.0, Wikimedia Commons

Стереотипные ожидания от биографии художницы — тяжелая борьба за право на творчество, профессию и признание. Фриде Кало действительно пришлось вступить даже не в борьбу, а в настоящую схватку. Но это было не ожидаемое противостояние женщины мужскому миру, а дуэль со смертью.

Не меньше, чем картины Фриды Кало, известны ее диагнозы: в шесть лет она перенесла полиомиелит, а в 18 едва выжила в автомобильной катастрофе. Фрида хромала, испытывала мучительные боли и вынуждена была носить неудобный корсет. Прибавьте к этому еще душевные раны, которые приносили ей непростые личные отношения с художником Диего Риверой: среди тех, с кем он изменял Фриде, была даже родная сестра художницы.

Фрида Кало. «Дружеские объятия Вселенной, земли (Мексики), Я, Диего и Сеньор Холотль», 1949 год, частная коллекция © Ambra75, CC BY-SA 4.0 via Wikimedia Commons

У Фриды было хрупкое здоровье, но стальной характер. Она прожила жизнь так, что, когда о ней стали снимать кино, потребовалась самая горячая актриса — и Фриду на экране воплотила Сальма Хайек.

Фрида не скрывала ни от себя, ни от зрителя тягот своей жизни. «Сломанная колонна», «Раненый олень», «Без надежды» — уже названия некоторых картин исчерпывающе описывают душевное состояние художницы. Но есть у нее и картина, название которой может стать девизом для всех, кто, как и Фрида, несмотря ни на что, пытается остаться несломленным: «Дерево надежды, стой прямо!»

Самобытное творчество мексиканки Фриды Кало трудно вписывается в рамки художественных стилей, но в нем определенно заметны черты сюрреализма. Это направление в живописи увлекало и других художниц — испанку Ремедиос Варо, англичанку Леонору Каррингтон, американку Доротею Таннинг.