До окончания Второй мировой войны Пикассо мог себе позволить спокойно гулять по парижским улицам, оставаясь «просто прохожим» для большинства горожан, пить вино на веранде любимого кафе «Флора» в Сен-Жермен-де-Пре, ходить по музеям и выставкам. Но после освобождения Парижа от нацистов (и гранат Хемингуэя) ему пришлось навсегда проститься с этой ролью и стать PICASSO — человеком-брендом, которого знает весь мир.

Идиллия

Первые годы послевоенной жизни Пикассо были связаны с Франсуазой Жило, с которой Пабло познакомился в 1943 году. К 1946-му ему удалось уговорить ее жить вместе. Дора Маар на тот момент уже исчезла из жизни художника, а Мари-Терез Вальтер оставалась в ней лишь как «дополнение» к дочери Майе. Франсуаза занимала все мысли Пикассо — и вскоре стала его полноценной новой музой.

Именно она вдохновила художника вернуться к технике литографии, которую он применял в 1920-х годах. Первые литографические портреты Франсуазы Жило появились в 1945 году. Простые линии этих портретов говорят о нежности, которую Пикассо испытывал к своей новой возлюбленной. Через год — в 1946 году — Пикассо «превратил» Жило в цветок: так появляется на свет картина «Женщина-цветок» (на самом деле — целая серия картин), где тонкий стебель покрыт округлыми листьями и венчается круглым лицом Франсуазы.

Ариана Хаффингтон, написавшая о Пикассо книгу, полагала, что потребность обладать и властвовать заставляли художника искать женщину, «которая восполнила бы его несовершенства и каким-то магическим, неизъяснимым образом помогла ему достигнуть в не меньшей степени магической и неизъяснимой "высшей живописи"». На Франсуазу Жило художник возлагал в этом смысле большие надежды. Она не была похожа ни на кого из его прежних женщин — независимая, гордая, трезвомыслящая. Пикассо уважительно говорил, что у нее есть «свое окно в абсолют». И художник хотел, чтобы Франсуаза помогла ему достичь этого абсолюта.

«Радость жизни», 1946 год

В июле 1946 года Пикассо с Франсуазой уехали отдыхать в Антиб, курортный городок на Лазурном Берегу Франции. Здесь Пикассо рисовал огромные полотна с героями языческих торжеств — их населяли нимфы, кентавры, фавны. Героиней одной из картин стала и Франсуаза — полотно называлось «Радость жизни», муза Пикассо изображена на нем в виде танцующей нимфы. Критики говорят об этом антибском цикле как о «работах светлых, не омраченных внутренними противоречиями». Впрочем, это касается всего «периода Франсуазы», о котором большинство биографов художника говорят как о самом гармоничном в жизни Пикассо.

«Это был период импрессионизма, но без тех садистских настроений, которые присутствовали во всех остальных его периодах. В его картинах не было ярости и гнева, они стали мягче, и многим показалось, что слабее», — вспоминала впоследствии Франсуаза Жило.

Edition Picassо

Летом 1947 года Пикассо не на шутку увлекся керамикой — она останется в его жизни на 15 следующих лет.

Еще в 1936 году, путешествуя по югу Франции с Дорой Маар, Полем Элюаром и другими своими друзьями, художник наткнулся на деревушку Валлорис, центр гончарного мастерства на фабрике «Мадура». Он наблюдал, как керамисты готовят глину, придают ей форму, обжигают в печи. Через десять лет интерес не только вернулся, но и окреп. Хозяева «Мадуры», супруги Рамье, предоставили Пикассо своего лучшего гончара — и художник принялся лепить и расписывать.

Гончарным кругом художник принципиально не пользовался, поэтому многие его изделия отличаются неправильной формой и напоминают скорее скульптуру. Например, он мог в одной форме соединить сову и женщину («Дерево, сова, женщина»). Кувшины и вазы несли на себе черты людей и животных — расписанные соответствующим образом они были сосудами-оборотнями: то ли бык, то ли человек, то ли птица.

Роспись плоских глиняных изделий была похожа на миниатюрные картины с привычными для Пикассо сюжетами: коррида, портреты, литературные и мифологические персонажи. В нарочито грубом, подчас эскизном характере рисунков на изделиях легко узнается почерк художника: как можно меньше деталей, как можно больше смысла, подчас символического.

Керамика давала Пикассо возможность не только делать авторские вещи, но и тиражировать их. Это было похоже на оттиски гравюр, где существует несколько идентичных подлинников. На этапе отливки изделия на оборотную его сторону ставился штамп: EMPREINTE ORIGINALE DE PICASSO (оригинальная печать Пикассо).

Оригинальная печать Пикассо

Edition Picassо (издательство Пикассо) — вот что организовал художник на фабрике «Мадура». Тут керамика тиражировалась в количестве, необходимом Пикассо. Пабло был поразительно продуктивен как керамист (впрочем, как и художник): при описи наследства художника насчитали 2880 керамических предметов.

Говорят, что зрители на выставке керамики Пикассо не особо были впечатлены — его работы многим казались «просто милыми». Художник комментировал это так: «Они ждут, что я буду их шокировать и пугать. Но если чудовище просто улыбается, они разочарованы».

Что интересно, мастерская «Мадура» существует и сегодня: там до сих пор изготавливают и продают небольшие серии «керамики Пикассо». На оборотной стороне всех изделий этих серий, пользующихся большой популярностью среди коллекционеров и поклонников творчества художника, стоит узнаваемый штамп: «Edition Picassо».

Голуби и Палома

Увлекшись керамикой, Пикассо переехал в Валлорис — в виллу «Ла Голуаз». Здесь Франсуаза вернулась к занятиям живописью, несмотря на то что возлюбленный требовал безраздельного подчинения и обожания. Но новая муза не хотела растворяться в Пикассо без остатка — ей было важно что-то оставить только себе.

«Он научил меня многому в черчении и в графике, — вспоминала Франсуаза, — но я хотела сохранить собственный стиль… Многое я заимствовала у него бессознательно. Он окружал меня, словно одна из стихий, например — вода. Я плавала в ней, но вода не учила меня, как плыть». Эти слова, сказанные, конечно, о творчестве, вполне отражают позицию Франсуазы о повседневной жизни с гением.

Франсуаза Жило и Пабло Пикассо, 1948 год

Жило родила Пикассо двоих детей — он уговорил ее, наставая на том, что ей это необходимо. Франсуаза вспоминала: время, пока она вынашивала сына Клода, было идиллическим. Между ней и возлюбленным наметилась близость, которой у художника не было до этого ни с одной из его женщин. Впрочем, в то же время Жило говорила, что между ними в этот период «не было понимания». Пикассо не хотел вникать в то, что она считала важнейшим для художника: ключ к «высшей живописи», как считала Франсуаза, находится в познании души модели, а не в осмыслении только внешности, то есть формы.

В 1949-м у Франсуазы и Пабло родилась дочь. Именно с ее рождением связана история знаменитого «Голубя мира». В апреле 1949 года в Париже и Праге должен был проходить второй Всемирный конгресс сторонников мира. В качестве эмблемы для него Луи Арагон выбрал литографию Пабло Пикассо — реалистичное изображение белого голубя в профиль с мохнатыми лапками. Знаменитое графическое изображение «Голубя мира» — летящего и с веточкой в клюве — художник сделал позже. Его голуби поселились на эмблеме Всемирных конгрессов за мир, которые проходили в другие годы в других европейских странах, — «Голубка Пикассо» стала визитной карточкой гениального испанца во всем мире.

Дочь Пикассо появилась на свет накануне открытия конгресса — 19 апреля. Весь Париж к тому моменту был обклеен афишами с изображениями голубя, которого нарисовал художник. Пикассо назвал дочь Паломой — в переводе с испанского «голубка».

Ариана Хаффингтон писала: «Такого еще не случалось ни в его жизни, ни в жизни какого-либо другого художника. За один день Пикассо завладел воображением всего земного шара. Голуби были всюду, даже на отворотах мужских пиджаков и женских пальто».

Что интересно, Пикассо в разговоре с советским писателем Ильей Эренбургом, который прибыл на парижский конгресс, смеясь говорил о том, что не понимает, почему голубь стал символом мира, ведь это «драчливая птица». Возможно, здесь стоит сделать скидку на то, что Пикассо был мастером эпатажа и парадоксов в своих публичных высказываниях. Как свидетельствуют очевидцы, в доме художника постоянно жили голуби. Собственно, моделью для исходной «голубки» стала птица, подаренная Пикассо его другом Анри Матиссом.

«Король старьевщиков» и скульптуры

Жан Кокто называл Пабло Пикассо королем старьевщиков. У художника была привычка собирать везде, где только можно, в том числе и в мусорках, приглянувшиеся ему вещи — «всякую белиберду». В мастерской Пикассо находил этой белиберде неожиданное применение. Так он изобрел еще в период войны технику ассамбляжа. В послевоенный период он снова вернулся к ней.

Из разного хлама — корзин, дверей, колес, рулей от велосипедов, стеблей растений, веток, глиняных черепков, башмаков — он собирал композиции-скульптуры и отливал их в бронзе, изображая на них людей, зверей, причудливые натюрморты — все, что придет в голову.

«Долой стиль! Разве у Бога есть стиль? Он сотворил гитару, арлекинов, такс, кошек, сов, голубей. Прямо как я. Ладно еще слонов вместе с китами, но слонов — и белок? Что за белиберда! Он сотворил то, чего раньше не было. Как и я» Пабло Пикассо

Например, у знаменитой «Козы» вымя было сделано из двух глиняных кувшинов для молока, позвоночник и ребра — из пальмовых ветвей, живот — из плетеной мусорной корзины, рога — из вьющихся стеблей. А «Девочку со скакалкой» Пикассо сделал из корзины и двух башмаков на одну ногу. Голова бабуина из «Бабуина с детенышем» — две сломанные игрушечные машинки, а тело — кувшин, ручки которого превратились в плечи обезьяны. У «Беременной женщины» груди и живот — керамические горшки.

Еще во время войны (в 1944 году) Пикассо сделал по тому же принципу — сбор и отливка — статую «Человек с ягненком». В 1950 году он изготовил копию, которую установили в центре Валлориса.

Скульптура Пикассо в центре Чикаго

Позже, в 60-е, Пикассо начал заниматься скульптурой из плоского листового железа. Квинтэссенцией этого стала гигантская —15 метров высотой и 167 тонн весом — скульптура, установленная на одной из площадей Чикаго. Пикассо подарил ее этому американскому городу в 1967 году.

При этом художник никому не объяснил, что означает эта безымянная композиция. Кто-то видит в ней голову бабуина, кто-то муравьеда, кто-то птицу, кто-то лошадь. Но, что бы (или кто) ни было изображено в виде огромного железного существа, искусствоведы называют это произведение гимном кубизму и самому Пикассо, «открывшему новые возможности в пластике».

«Политическое» искусство

В ноябре 1950 года Пикассо была вручена Ленинская премия мира, в том же году он посетил третий Всемирный конгресс за мир в английском Шеффилде. «Я выступаю за жизнь против смерти; я выступаю за мир против войны», — сказал Пикассо во время своего выступления на конгрессе.

Соратники по коммунистической партии ждали от Пикассо чего-то такого же по мощи, как «Герника»: США вторглись в Корею, это было явное нарушение мира после Второй мировой.

«Резня в Корее», 1951 год

В январе 1951 года Пикассо написал картину «Резня в Корее». Искусствоведы пишут, что она была вдохновлена картиной Гойи «Расстрел 3 мая 1808 года» и должна была стать художественным протестом против действий американцев. Но эффекта полотно не возымело. Английский историк искусства Джеймс Лорд писал о «Резне в Корее», что это был «слабый писк среди грохота политической пропаганды».

Почти в то же самое время Пикассо работает над еще одним своим произведением, призванным напомнить человечеству о том, что война лишь разрушает и ничего хорошего с ее помощью достичь невозможно. Он расписывает часовню в замке Валлориса, мечтая сделать из нее храм мира.

Два свода часовни — это фрески «Война» и «Мир», которые расположены друг против друга. «Война у меня в первую очередь ассоциируется с неуклюжим и тряским провинциальным катафалком — такие встречаются на улицах маленьких городков, жалкие и скрипучие колымаги. Я начал рисовать с правой стороны холста, и вокруг этого фрагмента выросла оставшаяся картина», — говорил о «Войне» Пикассо. В центре этой фрески — тройка лошадей, запряженная повозкой с демонами. В центре фрески «Мир» находится Пегас — символ разума, творческого вдохновения и связи всего живого.

В 1954 году часовня получила официальный статус музея и теперь называется Национальный музей Пикассо «Война и мир». Внутри музея в 1958 году появилась еще одна фреска Пикассо — «Дружба народов». Центральный ее образ — тот самый легендарный «Голубь мира».

Довелось Пикассо написать и портрет Сталина. Правда, это был рисунок с фотографии «вождя народов», который был приурочен к его смерти. В марте 1953 года Луи Арагон прислал Пикассо телеграмму, что изображение Сталина нужно как можно скорее. (Тут стоит заметить, что в ноябре 1949 года Пикассо уже рисовал картину, посвященную Сталину: «Сталин, за твое здоровье!»)

Портрет был готов на следующей день и опубликован в газете под заголовком «Чем мы обязаны Сталину». Соратники Пикассо и Арагона были страшно возмущены манерой исполнения портрета, посчитав его недостойным «великого государственного деятеля». С тех пор Пикассо больше политических деятелей не рисовал.

В 1958 году художник выполнил еще один политико-общественный заказ — создал фреску для штаб-квартиры ЮНЕСКО. Причем Пикассо выбрали среди других 11 художников с мировым именем. На фреске, которую сами представители ЮНЕСКО впоследствии назвали «Падение Икара», Пикассо снова изобразил некую дихотомию — силы Добра борются против сил Зла.

«От таких мужчин, как я, не уходят»

Осенью 1953 года грянул гром: Франсуаза ушла от Пикассо.

Разрыв наметился после рождения дочери, когда Франсуаза стала замечать охлаждение Пикассо. По ее воспоминаниям, он обвинял ее во всем, что бы она ни делала. В конце концов, поняв, что Пикассо раздражают даже дети, Франсуаза начала задумываться о том, чтобы уйти от него. «В преддверии восьмого десятка ему нравилось думать о новой жизни, но он не желал, чтобы она каким-либо образом его утруждала», — вспоминала она.

Пикассо до последнего не верил, что Франсуаза Жило уйдет от него. «От таких мужчин, как я, не уходят», — повторял он. Но, понимая, что теряет контроль над отношениями с женщиной, нарисовал две картины, на которых Франсуаза бьет его пса Яна. Так он выражал свои чувства. «Пес, беспомощно распластавшийся на полу, — пишет искусствовед Мэри Джидо, — отражает бессилие самого Пикассо перед своей возлюбленной».

«Франсуаза, Клод и Палома», 1954 год. Работа написана спустя год после того, как Франсуаза Жило ушла от Пикассо

«Я поняла, что моя жизнь с Пикассо была сродни болезни, — говорила Франсуаза, — и я знала, что мне предстоит избавиться от всего больного во мне». Может быть, способом избавления стала книга «Моя жизнь с Пикассо», которая увидела свет в 1964 году. Художник был очень недоволен тем, что книга может выйти — и пытался воспрепятствовать публикации не самого своего приглядного портрета. Пикассо три раза обращался в суд — и три раза проиграл.

После того как Франсуаза покинула «Ла Голуаз», Пикассо в течение нескольких месяцев остервенело рисовал. В итоге получилась серия из 180 рисунков, которую впоследствии искусствоведы назвали «Человеческой комедией». Они не имели никакого отношения к Бальзаку, это очень личная история мужчины, который наконец осознал, что он старик. Ему было 72 года.

Рисунок из серии «Пикассо и человеческая комедия», 1954 год

Вот как красноречиво описывает этот цикл Ариана Хаффингтон: «На его исповедальных рисунках он не просто старый и нелепый, но уродливый, словно гном, дряблый и жалкий, в тщетных попытках вернуть через творчество ускользающие жизненные силы. Он изображает себя гениальным, невероятно техничным мастером, который с удивительной фантазией и проницательностью рисует свою модель и самого себя, но от его искусства исходит гнет бессмысленности. Молодая женщина, бесконечно женственная в разнообразных обликах, знает это. Он забавляет ее, но она не воспринимает его всерьез как художника и уж тем более как любовника. Ей гораздо больше нравится играть с обезьянкой или гладить кошку. […] Она — древо жизни и древо познания. Отчаяние художника — это не крик обиды от того, что ему приходится распрощаться с "его местом на пиру чувственных наслаждений"; трагедия тут куда более глубокая — он старик, который умрет, не поняв, зачем он жил и рисовал. Ни его таланты, ни бессчетные сексуальные приключения не приближали его к разгадке тайны жизни, которая известна молодой женщине и из которой она черпает свое спокойствие и глубокое понимание окружающего мира».

Жаклин Рок

В 1954 году у Пикассо появилась новая модель — Сильветт Давид (Лидия Корбетт). Молодая девушка, которую художник увидел в кафе в Валлорисе и попросил разрешения ее рисовать — у ее жениха. Сильветт позировала ему несколько недель — итогом стала серия из 60 произведений искусства, изображающих девушку с копной светлых волос.

В том же 1954-м Пикассо пустил в дом последнюю свою женщину — Жаклин Рок. Они познакомились, еще когда актуальной музой художника была Франсуаза Жило. Жаклин была продавщицей на фабрике «Мадура», она часто виделась с Пикассо, разговаривала с ним по-испански. Ей было 27 лет. Мэтру — 73.

Свидетели их совместной жизни говорят, что Жаклин называла Пикассо не иначе, как «монсеньор» и «солнце». Она была его женой, тенью, сиделкой, секретарем, любовницей, стражем, другом.

Жаклин была очень маленького роста, ниже Пикассо, который, как говорят, сильно комплексовал из-за своей «миниатюрности». У нее была шестилетняя дочь от первого брака — Катрин Ютэн, вместе с которой она вскоре переселилась в «Ла Голуаз», а затем кочевала вместе с художником по другим домам. В 1961 году Пикассо женился на Жаклин, она стала второй мадам Пикассо после Ольги Хохловой, которая умерла в 1955-м.

Пикассо и Жаклин Рок на боях быков в Валлорисе, 1955 год

На первых своих портретах кисти Пикассо Жаклин Рок похожа на сфинкса — «Жаклин со скрещенными руками», «Жаклин с цветами» и «Жаклин на корточках». С длинной шеей — которой у нее на самом деле не было, — и с холодом во взгляде. Говорят, что Пикассо предвосхитил эту сталь — но в 54-м будущая мадам Пикассо была мягкой и не показывала свою власть над жизнью гения. Чуть позже появилась «Жаклин в кресле-качалке» — портрет коренастой, грузной Жаклин. Тоже своего рода пророчество: впоследствии она сильно поправилась из-за ухудшившегося здоровья.

Облик Жаклин приняли все женщины из гарема на вариациях знаменитой картины Эжена Делакруа «Алжирские женщины». Пикассо работал над вариациями с декабря 1954 по февраль 1955 года. В итоге получилась серия из пятнадцати холстов и двух литографий.

Считается, что поводом к написанию Пикассо серии «Алжирских женщин» стала смерть Анри Матисса в 1954 году. И «копирование», а на самом деле переосмысление великих полотен прошлого — это восстановление связи с великими художниками ушедших эпох. «У меня есть ощущение, — говорил Пикассо, — что Делакруа, Джотто, Тинторетто, Эль Греко и другие, а также все современные художники, хорошие и плохие, абстрактные и не абстрактные, все стоят за мной и наблюдают за моей работой».

Великий вор

О Пикассо говорили, что он «готов украсть что угодно у кого угодно» — имея в виду, разумеется, творческие сюжеты и ходы. Говорили, что знакомые художники прятали от него свои картины, чтобы он не заимствовал их идеи. «Красть как художник» имеет право каждый — лишь бы это отвечало на вопрос: что с украденным художник сделал дальше? Хуже всего — повторение самого себя, неприемлемое для Пикассо, который говорил: «Копировать других необходимо, но копировать самого себя — занятие жалкое и безнадежное».

В поздние годы Пикассо «копировал», но, как мы видим, это были не копии. Это было переосмысление шедевров старых мастеров сквозь призму опыта Пикассо-художника и Пикассо-человека.

С августа по ноябрь 1957 года Пикассо работал над серией вариаций на тему известного полотна своего кумира Диего Веласкеса — «Менины». Оригинал, написанный в 1656 году, изображает пятилетнюю инфанту Маргариту, окруженную придворными.

Пикассо переписывал многофигурную композицию в кубистском ключе. Он писал не только картину целиком, но и ее фрагменты, портреты отдельных персонажей. В некоторых полотнах Пикассо появляется и Жаклин Рок, которая говорила, что ее возлюбленный работал так: «Пикассо определенно хотел сравнять счет!» Всего было создано 46 работ.

Наибольшую известность получила серия работ Пикассо по «Завтраку на траве» Эдуарда Мане (оригинал был создан в 1863 году). Картина «Завтрак на траве», пишут искусствоведы, вдохновляла Пикассо в 1907-м, когда он писал «Авиньонских девиц»: «Смелость "Авиньонских девиц" была бы невозможна без смелости Мане».

С 1959 по 1962-й художник создал вариации великой картины в живописи, графике, литографии, скульптуре и керамике. Было сделано по крайней мере двадцать семь картин и сто тридцать восемь рисунков. А в 1967 году в Музее современного искусства в Стокгольме появились бетонные фигуры «завтракающих», как их себе представлял Пикассо.

Это стало возможным после того, как Пикассо познакомился с норвежским художником и скульптором Карлом Несьяром, который рассказал Пабло о процессе бетонирования, используемом для создания монументальной скульптуры по образцам маленьких картонных фигурок. Сотрудничество с Несьяром было для Пикассо очень продуктивным: в разных странах стали появляться монументальные скульптуры авторства легендарного художника. В конце концов возникла и скульптурная группа «Завтрак на траве».

«Он еще не раз удивит и заворожит нас»

Пикассо неизбежно старел — и хотел убежать от смерти с помощью работы. Он рисовал Жаклин, воинов, героев древней истории. Он хотел забыться в работе. Ариана Хаффингтон писала об этом так: «Для Пикассо живопись была единственным оружием против главного врага — смерти».

Жаклин Рок почти полностью изолировала его от родственников, к нему не пускали детей, сообщая, что «месье нет дома». На вилле Нотр-Дам-де-Ви были электрические ворота с системой внутренней связи, особо настойчивых посетителей отпугивали собаками. В 1963-м Палома хотела навестить отца, но ее не пустили. «Когда передо мной захлопнулась дверь, — вспоминал Клод, которому тоже было отказано, — будто сверкнула молния». Клод не мог смириться с предательством отца — он пытался покончить с собой, но на радость матери и сестры, неудачно.

«Голова женщины», 1963 год

А Пикассо словно боялся Жаклин. Или того, что связано с ней, — неизбежно надвигающейся смерти. В 1963 году он пишет ее сто шестьдесят раз. Франсуа Мориак, французский писатель, вспоминал: «Глядя на картины Пикассо, я всегда испытываю двойственное чувство. Мне кажется, что он и гений, и лжец. Меня не оставляет ощущение, что я присутствую при покушении хитрого колдуна на человеческое лицо, причем движет им ненависть к тому, что он изображает...» Пикассо снова искажал женские черты, женское тело.

В 1965 году он перенес операцию на желчном пузыре и предстательной железе. Это подкосило Пикассо. Он почти год не писал картины, только делал рисунки и гравюры. После того как он начал снова писать, чаще всего стал это делать сидя, согнувшись над холстом, а не стоя перед мольбертом. Картины Пикассо наполнили мушкетеры. Искусствоведы полагают, что они были навеяны мотивами картин Рембрандта, искусство которого Пикассо изучал во время простоя. Кроме того, лейтмотивом многих его последних картин был секс — он не мог больше предаваться ему, оставалось только думать о нем и рисовать.

В 1966 году состоялась ретроспективная выставка Пабло Пикассо в Большом и Малом дворцах Парижа (здесь в 1900 году проходила Всемирная выставка, поразившая юного Пикассо на заре его карьеры). Ее посетил почти миллион человек. «Пикассо властвует над своим веком, как Микеланджело, — писал во вступлении к каталогу Жан Леймари, организатор выставки. — Несомненно, он открыл нам еще не все. Три слога имени этого человека громом раскатываются по столетию и всей планете. Он еще не раз удивит и заворожит нас».

Смерть

2 июля 1972 года Пикассо написал автопортрет, один из последних в своей жизни. В гости к нему заехал друг. «Я вчера сделал рисунок, — сказал ему Пикассо. — Кажется, мне удалось в нем чего-то достичь... Такого я раньше не рисовал». Автопортрет — это сгусток боли и ужаса перед неизбежным.

«Автопортрет. 2 июля 1972»

Пикассо работал до последнего, создавая по две картины в день. Смерть его настигла 8 апреля 1973 года в имении Нотр-Дам-де-Ви. Художник (как и его вторая жена Жаклин Рок) похоронен возле принадлежавшего ему замка Вовенарг.

Пикассо оставил после себя еще одно пророчество: «Когда я умру, это будет словно кораблекрушение. Когда тонет большое судно, людей засасывает на дно вместе с ним»

Жаклин Рок не пустила на похороны никого из детей Пикассо. Его внук Паблито, которого не пустили на порог сразу после того, как по радио было объявлено о смерти художника, выпил бутыль хлористого калия и умер в больнице (через два месяца после отравления).

Сын Пикассо от Ольги Хохловой умер в 1975 году от цирроза печени. Пауло увлекался алкоголем и наркотиками, Пикассо приходилось постоянно вызволять его из разных передряг. В конце концов он стал работать на своего отца, был у него шофером.

Мари-Терез Вальтер покончила с собой в 1977 году, через 50 лет после знакомства с Пикассо.

Майя, Клод, Палома и Жаклин Рок с трудом в 1977 году поделили между собой наследство Пабло Пикассо. Его имущество было оценено в 260 млн долларов, произведений искусства осталось около 60 тысяч единиц.

В 1986 году Жаклин Рок покончила с собой после того, как организовала большую выставку Пабло Пикассо в Испанском музее современного искусства в Мадриде.

Фото: Getty Images Russia, РИА Новости

Главный редактор
Александр Богословский
Арт-директор
Николай Шляхтин
Текст
Наталья Игнатова, Наталия Грачева, Наталья Волкова, Александр Богословский
Корректор
Лидия Ткачева
Редакция VTBRussia.ru
Александра Лаврова, Екатерина Майорова
© VTBRUSSIA.RU