Виртуальная галерея Петра Кончаловского

9 сентября 2009

1880 | 1907 | 1910 | 1917 | 1920 | 1930 | 1940

1880-1906

Свои первые художественные навыки Петр Кончаловский получил еще в детстве. В 1880 году он поступил в Харьковскую частную школу Раевской, где начал учиться рисунку. В 1889 году с семьей переезжает в Москву, где продолжает занятия живописью на вечерних курсах Строгановского училища технического рисования. Портрет сестры Виктории Петровны Кончаловской видит Василий Суриков и отмечает «испанский» колорит молодого художника.

Благодаря издательской деятельности отца, Петр Кончаловский знакомится с живописцами Василием Суриковым, Валентином Серовым, Михаилом Врубелем и другими. Часто посещает мастерскую Валентина Серова и Константина Коровина. Работы второго особенно сильно влияют на молодого художника.

Конец 1890-х начало 1900-х годов – время учебы и активного поиска собственного творческого пути. В это время Кончаловский пробует себя как живописец, театральный и книжный оформитель и даже как скульптор. Так в соавторстве с Михаилом Врубелем исполняет оформление лестницы морозовского особняка в Москве, на улице Спиридоновка.

В 1895 году на французской художественно-промышленной выставке в Москве Кончаловский знакомится с работами импрессионистов. Сильное впечатление на него производят «Стога» Моне. Уже в следующем году, следуя совету Константина Коровина, Петр Кончаловский едет учиться живописи в Париж в Академию Р. Жюльена. Там изучает живопись Ван Гога и Сезанна, много путешествует по стране и пишет серию этюдов на деревянных дощечках. Мастерство молодого художника отмечают преподаватели. Его рисунок отмечен наградой и вывешен как образец на стене Мастерской.

Вернувшись в Россию в 1898 году, Петр Кончаловский поступает в Высшее художественное училище при Академии художеств в Петербурге. Художник много ездит по стране и за рубеж. В эти годы продолжает пробовать себя как театральный и книжный оформитель. Но главная его работа сосредоточена вокруг изучения и зарисовок природы.

После женитьбы на Ольге Васильевне Суриковой в феврале 1902 года отправляется вместе с семьей Суриковых в Сибирь, в Красноярск, где пишет этюды. Картины отмечены преподавателями художника и выставлены на академической выставке. Самого же Петра Кончаловского собственные работы не удовлетворяют, и многое из написанного в эти годы он самолично уничтожает.

В 1905 году Петр Кончаловский совершает поездку на Север. В Кандалакше, прямо на берегу пишет картину «Рыбаки тянут сети» (смыта автором в 1935 году). По возвращении в Петербург устраивает выставку одной картины и этюдов к ней. В 1907 году он получит за это полотно звание художника.

Садик под Римом. Персики в цвету. 1904
Сибирь. Тайга. 1902


Развернуть список


1907-09

Летом 1907 года Петр Кончаловский оканчивает учебу в Высшем художественном училище при Академии художеств в Петербурге и получает звание художника. Его все больше увлекают импрессионисты. Летом он гостит в усадьбе Белкино, где пишет ряд этюдов в импрессионистической манере («Дом в Белкине», «Белкино. Садик»).

Спустя несколько месяцев, Петр Кончаловский отправляется сперва в Германию, а затем – во Францию, где проводит два года. Там он изучает живопись Ван Гога и Сезанна. По его словам, «при первом же взгляде, Ван Гог захватил внутренним драматизмом своей живописи и тронул, прямо до слез».

Кончаловского покорила открытая эмоциональность живописи Ван Гога, которая проявлялась в самом движении кисти, динамичном мазке, повышенной энергии цвета. Чтобы лучше понять живопись мастера, Кончаловский едет в город Арль, в котором работал Ван Гог. Там Петр Кончаловский пишет ряд пейзажей и картину «Арлезианка».

А.А. Федоров-Давыдов в статье «Природа стиля» (1929) так характеризовал живописные работы Кончаловского этого периода: «Процесс превращения дополнительных тонов во взаимодействующие цвета можно проследить и в эволюции молодого П.П. Кончаловского, в эту эпоху типичного «неопримитивиста». Более непосредственно связанный с французской живописью, он проходил этот путь проще и нагляднее, не имея дела в своей «импрессионистической» стадии с пресловутой «дымкой».

Его «Немур. Франция» (1907-08) – образчик импрессионистического «оптического смешения» тонов. Небо образует мазки всех оттенков синего, розового, лилового, участвующего и в передаче стволов деревьев, их листва составляется из массы тонов зеленого и желтого, стены домов – из желтого, розового, красного, синего, лилового, бледно-зеленого коллора. Но уже в «Пальмах» (1907) цвет уплотняется, дополнительные тона образуют самостоятельные соседствующие в передаче зелени, а в цветах на грядах – контрастирующие красное и зеленое; между ними куски незаписанного холста также играют цветовую роль; но почва еще дается тональностями розово-желто-коричневого».

В 1909 году Петр Кончаловский возвращается в Москву, где исполняет плафон для гостиной в доме купца Маркушева. Чуть позже получает дополнительный заказ на четыре панно для столовой: «Сбор винограда», «Сбор оливок», «Жатва», «Посадка герани».

Лето он проводит в подмосковной усадьбе Саввы Мамонтова «Абрамцево». Там Петр Кончаловский продолжает работать в импрессионистической манере, много пишет пейзажи, портреты, натюрморты.

Белкино. Садик. 1907
Дом в Белкине. 1907
Холст, масло. 88х80
Садовник. 1908
Версаль. Плющи. 1908
Холст, масло. 71,8х96,7
Франция. Гора Лаванду. 1908
Холст, масло. 73х92
Франция. Немур. 1908
Холст, масло. 60х81
Париж. Мальчик с яблоком. 1908
Холст, масло. 60х48,2
Сан-Максим. Пальмы. 1908
Холст, масло. 73,2х92,5



Развернуть список


1910-16

Десятые годы ХХ века – яркие и самобытные в творческой жизни Петра Кончаловского. В 1910 году вместе с Василием Суриковым он снова едет во Францию, а затем – в Испанию. Там художник знакомится с творчеством Диего Веласкеса. Испанская живопись изменяет палитру Кончаловского. Колорит теплеет, оттенки становятся сумрачными. Художник стремиться достичь испанского «упрощенного синтетического цвета».

К испанской серии относятся картины «Дом», «Любитель боя быков», «Испанская комната», «Матадор Мануэль Гарта» и «Бой быков». В работе «Бой быков» художник стремится сделать быка похожим на народную игрушку, чтобы придать образу характерности.

«Первоначально я написал «Бой быков» совсем реально, Суриков считал эту вещь замечательной по жизненности передачи, а мне не нравилась она. Хотелось сделать быка характернее, не таким, каким его все видят, а похожим на примитив, на игрушку», – вспоминал позже Кончаловский. Народная традиция надолго увлекла художника. Его внимание привлекают уличные вывески, их эмоциональная яркость, достигнутая самыми скупыми художественными средствами.

В 1910 году художник возвращается в Москву и становится одним из основателей художественного общества «Бубновый валет». Художниками общества осознается необходимость «работать по новому и вполне определенному методу».

Одна из центральных работ этого времени – «Портрет художника Георгия Богдановича Якулова». По словам живописца, он постарался «противопоставить излюбленной многими художниками миловидности, причесанности и прилизанности портрета то, что считалось, по общему мнению, безобразным, а на самом деле было чрезвычайно красивым, показать самый характер Якулова».

Параллельно увлечению испанской живописью сохраняется интерес художника к творчеству Поля Сезанна. В 1912 году издается книга Э. Бернара «Сезанн, его неизданные письма и воспоминания о нем» в переводе художника.

В марте семья Кончаловских сопровождает Василия Сурикова в Германию и Италию. Там художник изучает фрески Синьорелли, Симоне Мартине, Беноццо Гоццоли, Пьеро Поллайоло. У старых мастеров он учится строению композиции, уплощению формы.

Влияние «фрескового» стиля видно в композиции и цветовом решении картины «Семейный портрет». Эта работа написана в Сиене, где художник жил в 1912 году. «Именно в Сиене, – рассказывал Кончаловский, – я обратил почему-то внимание на то, что живые люди садятся иной раз в итальянской комнате так, будто они позируют для фрески. Сама жизнь подсказала мне для сиенского портрета это фресковое, круговое построение. Круглоту композиции, ее пространственность особенно четко показывала здесь дверь с лестницей за спиной жены, в самой высокой точке полукружия. Сиена и дала мне ту монументальность в композиции, которая есть в этом портрете. В цветовом его решении я держался примитивных упрощенных тонов – в фресках тоже все страшно упрощено».

В ряде работ 1912 года можно проследить явное влияние Сезанна и живописи кубистов. Метод кубизма помог Кончаловскому научиться извлекать из природы наиболее характерное, лучше понять построение композиции. По примеру кубистов художник пишет ряд натюрмортов, вводя в композицию бумажные наклейки. Это, по мнению мастера, заставляет художника повышать качество живописи, доводя ее до реалистичности, добиваться «осязаемой передачи вещности предметов, отнюдь не впадая в натуралистические крайности».

Летом 1914 года художник с семьей отправляется в Красноярск. По пути, на Урале, его застает известие о начале войны. Кончаловский мобилизован как офицер-артиллерист. На войне он пишет несколько акварелей как памятки товарищам по службе. Так же во время двухмесячного пребывания в Москве в 1915 году пишет портрет «Наташа в кресле». Другой важной работой этого периода можно считать картину «Скрипка». Картина написана в нетипичной для художника суховатой манере и может считаться сигналом о наступлении нового периода. В натюрмортах, написанных в 1916 году, наблюдается поворот к реализму.

Автопортрет. 1910
Холст, масло. 101х79
Агава. 1916
Холст, масло. 80х88
Бой быков. 1910
Холст, масло. 133,5х176
Бой быков в Севилье. 1910
Холст, масло. 54х64,5
Ирисы. 1911
Холст, масло. 100х81
Испанка. 1910
Холст, масло. 82,5х64,5
Испанский танец. 1910
Холст, масло. 138х108
Наташа в кресле. 1915-1916
Холст, масло. 129х92
Натюрморт. Поднос и зеленая картонка. 1912
Холст, масло. 80,5х100
Натюрморт. Пиво и вобла. 1912
Холст, масло. 75,5х48
Портрет историка В.С. Протопопова. 1911
Холст, масло. 160х135
Портрет художника Г.Б. Якулова. 1910
Холст, масло. 176х143
Семейный портрет (на фоне китайского панно). 1911
Холст, масло. 178х239
Семейный портрет (сиенский). 1912
Холст, масло. 226х290
Сиена. Порта Фонтебранда. 1912
Холст, масло. 96х81
Сухие краски. 1912
Хлебы на зеленом. 1913
Холст, масло. 99,3х98,7
Чайная в Хотьково. 1911
Холст, масло. 81х124,5





Развернуть список


1917-22

В 1917 году Кончаловский получает освобождение от воинской повинности и возвращается в Москву. По собственному признанию, к концу военной службы он почувствовал необходимость поиска новых путей в живописи. Вместе с семьей художник отправляется в Крым, где пробует писать в новой для себя манере. Отмечают работы этого периода: «Натурщица у печки», написанная широко и обобщенно, и «В мастерской. Семейный портрет».

«И в этом портрете, в фигуре дочери, я именно хотел спорить с самою жизнью. Другое дело – насколько мне удалось, но я хотел именно этого. Когда писал в портрете косу у дочери, чувствовал себя так, будто заплетаю косу живому существу и наслаждался этим чувством. Наслаждался сознанием, что при помощи краски орехового цвета можно сплести в конце концов совсем живую косу, сплести ее так, что в косе будет ощутимо чувствоваться живой волос живого человека…», – признавался художник.

В 1918 году явно определяются изменения, произошедшие в живописи Петра Кончаловского. Очевидно, изменяется его отношение к цвету и свету. Атмосфера картин становится воздушной. Начинается эпоха «завоевания цвета и воздуха». В качестве примера пейзажей, отражающих произошедшие перемены, можно привести работы: «Станция Нара», «Река», «Мост в Наре».

Формы все еще лаконичны и упрощены, однако, статике архитектурных форм теперь противопоставляется движение воздуха. В этом же 1918 году Кончаловский пишет картину «Скрипач», первый в его творчестве портрет, где человеческая фигура не статична и находится в движении. Сам художник говорил, что портрет оказался поворотным в его живописи, и если до этого его притягивала именно «вещность» природы, то теперь его задачей было передать одухотворенное состояние музыканта.

«Воспринимая баховскую музыку, как математику и геометрию, я и портрет хотел построить как известную геометрическую фигуру, до такой степени казалась мне ясной эта скрытая в звуках математика. Музыкальные ноты как-то сами собою обращались в окрашенные плоскости холста, самые ничтожные музыкальные намеки раскрывали какие-то глубочайшие истины живописи…», – рассказывал Петр Кончаловский о работе над картиной.

Пейзажи 1919 года отражают интерес живописца к мотивам подмосковной природы, ранее встречавшиеся на его работах лишь эпизодически. Так, лето следующего года он решает провести в Абрамцеве, где много пишет абрамцевскую дубовую рощу и сельские пейзажи. В абрамцевских пейзажах он ставит задачу изображать деревья так, чтобы они «не торчали из земли», а логически из нее вырастали.

Отдельное место занимает работа над изображением нагого человека в природе. Художник пытается вписать в пейзаж обнаженную фигуру так, чтобы не чувствовалось никакого искусственного соединения, пытается достичь целости и однородности композиции. В связи с этими поисками он обращается к теме «купания» и пишет такие работы, как «Купальщицы», и «Купающиеся мальчики».

Однако на данном этапе, пейзаж все еще подчинен фигуре, а композиции строятся слишком торжественно и монументально. С этого периода изображение обнаженного тела в природе становится одним из постоянных явлений в живописи художника.

В мастерской. Семейный портрет. 1917
Холст, масло. 256х355
Мост. 1920
Холст, масло. 82,5х94,5
Мост в Наре. Ветер. 1917
Холст, масло. 95х119
Натурщица у печки. 1917
Холст, масло. 134х108
Портрет скрипача Г.Ф. Ромашкова. 1918
Холст, масло. 143х105


Развернуть список


1920 гг.

В 1922 году в Государственной Третьяковской галерее открылась первая персональная выставка Петра Кончаловского. В экспозицию вошли рисунки и холсты, написанные с 1907 по 1922 годы. Это был своего рода итог, первый публичный показ всего творческого пути художника.

Лето 1922 и 1923 гг. Кончаловский проводит под Москвой, в селе Крылатском. Там он продолжает работать над проблемой изображения обнаженной натуры в природе, пишет серию подмосковных пейзажей и первых жанровых картин. К этому периоду относятся работы «Луна в ветвях», «Рассвет», «Ночной пейзаж», «Овраг», «Купающиеся инвалиды», «Перед зеркалом», «Жатва», «Жницы», «Сбор урожая».

С начала двадцатых годов можно говорить о переломе в живописи художника, отказе от кубизма и «сезанизма». Его картины теперь ближе к реалистической традиции в русской живописи.

Выдающейся работой, этого времени, несомненно, является «Портрет художника и его жены» 1923 г. «Портрет 1923 г. обдумывался и прорисовывался у меня очень долго – признавался Петр Кончаловский. Хотелось, чтобы в нем не было никакой яркости красок, чтобы весь он был насыщен тоном, свето-тенью. Именно не «делать» предмет, не передавать признаки его вещности, а «писать», вводить предмет в живописную его среду стремился я в этот раз».

К периоду с 1924 по 1927 годы относятся три цикла работ живописца, написанные во время поездок в Италию, Великий Новгород и на Кавказ. В Венеции Кончаловский увлекается творчеством Тинторетто и делает много зарисовок с его картин. Пишет восемь этюдов в том числе «Дом Тинторетто». В Сорренто пишет серию этюдов: «Везувий утром», «Везувий вечером», «Везувий сквозь деревья», «Везувий или оливковая роща». По признанию самого художника, во время итальянского путешествия он не ставил себе задач аналитического порядка, а писал, поддаваясь влиянию природы.

Новая живописная серия рождается у мастера в Великом Новгороде, куда он едет с семьей после возвращения в Россию. В 1926 году пишет картину «Возвращение с ярмарки». Здесь художник постарался насытить движением все: «и перерезанную парусниками гладь озера, и бегущих лошадей, и движение телеги. Так хотелось верно передать динамику, что я сам бегал рядом с мчащейся телегой, чтобы уловить, как располагаются во время бега лошадиные ноги» – вспоминал Петр Кончаловский. Тогда же художник исполняет многочисленные пейзажи и изображение Игумена Виссариона, где художник воплощает в живописи два различных аспекта человеческой жизни.

В 1927 году Петр Кончаловский был приглашен к участию в выставке советского искусства в Японии. Так он знакомиться с японским художником Ябе-Сан, и пишет его портрет.

Следующие два года Петр Кончаловский активно путешествует по Грузии и Крыму. Сам художник оценивает свои поездки, как крупнейшие явления творческой жизни за последние годы. В этот период он создает картины «Мцыри. Гроза», «Мцхет. Сандро-Сакля», «Ковка буйвола». Параллельно снова посещает Новгород. Теперь особое внимание уделяется новгородцам («Рыбный рынок», «На Ильмень-озере»). Там же мастер открывает для себя живописный мотив — пейзаж сквозь комнатное окно.

В это же время Петр Кончаловский пишет много натюрмортов, среди которых преобладают «курительные натюрморты» и цветы.

Автопортрет с женой. 1923
Ковка буйвола. 1927
Натюрморт. Розовый блокнот и трубки. 1929
Овраги. 1923
Сан-Анджело. Море. 1924
Виссарион – сапожник за работой. 1926
Cорренто. Везувий. Две оливы. 1924


Развернуть список


1930 гг.

В 1930-е годы Петр Кончаловский активно работает как театральный оформитель. Он выполняет эскизы декораций и костюмов к спектаклям Большого театра, Экспериментального театра в Москве и МХАТа.

Также художник продолжает путешествовать и посещает Грузию и Крым. Летом 1930 года Кончаловский отправляется в Бахчисарай и Симеиз. Там пишет серию пейзажных этюдов и зарисовки для жанровой картины «Вышивальное отделение первого ткацкого коллектива в Бахчисарае». Саму картину художник исполняет уже по возвращении в Москву.

Одно из центральных полотен этого периода – портрет А.С. Пушкина. Художник решает изобразить поэта в момент его утренней творческой работы, сидящим на зеленом диване в рубашке, поджав по-восточному ноги.

В 1930 году Кончаловского увлекает жизнь русской деревни. В это время он пишет многочисленные сельские пейзажи, а также изображения домашних животных и птиц. Характерными работами являются: «Куры», «Петух в корзине», «Картинка для детей».

Летом художник живет в Барвихе под Москвой, а осенью отправляется в Ленинград и затем в Рязань, где пишет серию пейзажей. Одной из самых сильных своих вещей написанных в Ленинграде, он считает масляный этюд «Домик Петра в Летнем саду».

Зимой 1932 года Петр Кончаловский приобретает дачу в Буграх, часть бывшей усадьбы Белкино. Там он проводит большую часть времени в период с 1933 по 1935 год. В Буграх созданы многочисленные пейзажи, жанровые этюды, цветы и портреты выдающихся деятелей культуры. Среди них портреты С.С. Прокофьева, В.В. Софроницкого, А.О. Степановой, Н.С. Голованова, А.Н. Толстого, К.С. Симонова, В.Г. Дуловой, А. Довженко, С.Я. Маршака и многих других.

В 1937 году художник едет в Кировск и Апатиты, а в следующем году посещает Хохлому. Там он работает над картиной «Хохломские рисовальщицы».

Одно из важнейших полотен этого периода – портрет Всеволода Мейерхольда. Он выполнен в 1938 году – накануне ареста режиссера. Кончаловского как портретиста никогда особенно не занимали психологические задачи, портреты-биографии, «рассказанные» в картинах жизненные истории.

Это говорит о том, что и в портрете Мейерхольда художник не ставил перед собой подобной задачи. И все же его художественная интуиция и талант помогли создать блестящее живописное произведение, где за внешней безмятежностью чувствуется глубокий трагизм.

Бахчисарай. Общий вид. 1930
Петух в корзине. 1930
Катенька у стула. 1932
Ленинград. Домик Петра Великого в летнем саду. 1931
Пейзаж с луной. Большая Садовая улица. 1931
Холст, масло. 59,5х79
Натюрморт. Пионы в корзине. 1935
Холст, масло. 92х103
Портрет режиссера В.Э. Мейерхольда. 1938
Холст, масло. 234х210



Развернуть список


1940-1950 гг.

С конца 1930-х годов Петр Кончаловский почти безвылазно живет на даче в Буграх. Деревенский дом художника показан на многих полотнах. Но особую атмосферу он создает в одной из самых значительных работ начала 1940-х – в портрете писателя Алексея Николаевича Толстого. Не случайно картина названа: «Толстой в гостях у художника». На ней «советский граф» изображен за накрытым старинной посудой столом, с рюмкой в руке. Этот бытовой пласт в портрете играет не меньшую роль, чем лицо модели. Портрет казался бы апофеозом гедонистического отношения к жизни, если бы предметной роскоши первого плана соответствовал облик Толстого. Но его лицо трактовано более сложно: в нем акцентирована не плотское начало или бездумная радость жизни, а тонкость черт, ум, спокойная благожелательность.

В начале 1940-х Кончаловский заканчивает восьмилетнюю работу над портретом А.С. Пушкина, а через два года приступает к портрету М.Ю. Лермонтова. Поэт изображен во время кавказской ссылки. Специально для работы над полотном, художник изучает воспоминания о Лермонтове, его прижизненные изображения, быт и костюмы того времени.

С началом Великой Отечественной войны Кончаловский с семьей остается в Москве, где создает картины военных лет, например, «Где здесь сдают кровь?» (1942). В это же время пишет три московских весенних пейзажа, три сирени, три букета, два автопортрета, портрет Л.И. Толстой и С.Н. Тройницкого.

В 1944-45 гг. – выполняет эскизы и декорации к опере Ж. Бизе «Кармен» для Государственного академического Большого театра СССР.

В 1946 году – пишет натюрморт «Апельсины и мятая бумага», посвященный П.П. Чистякову, а также создает жанровую картину – «Полотер», написанную в точной, уверенной живописной манере.

Ко второй половине 1940-х годов относится большое количество портретов, часто камерного характера. Можно отметить портрет хирурга А.А. Вишневского (1951) или длинный ряд портретов внуков художника, как, например, картины: «Маргот танцует» (1949), «Андрон с собакой» (1949), «Маргот с кошкой» (1948).

Также в послевоенные годы создаются многочисленные пейзажи, картины с изображением народной жизни на фоне русской природы – «С покоса», «Гребут сено», натюрморты – «Полевые цветы на фоне зеленых жалюзи», «Шиповник на фоне белой изразцовой печки», «Вино и ветчина», ряд картин «Сирени»). Работами этого периода художник как бы суммирует свой творческий опыт. Он стремится к синтезу в живописи и снова начинает писать большие полотна.

Дети в парке. 1940
Лермонтов М.Ю. 1943
Натюрморт. Сирень , ведро и лейка. 1955
Весна в Москве. Конюшковская улица. 1943
А.Н. Толстой у меня в гостях. Между 1940 и 1941
Холст, масло. 142х168
Натюрморт. Красный поднос и рябина. 1947
Холст, масло. 85,2х102,5
Полотер. 1946
Холст, масло. 171х143



Развернуть список

Поделитесь с друзьями:
Facebook Вконтакте Твиттер Одноклассники LiveJournal МойМир Google Plus Эл. почта
Подписаться на новости раздела «Культура»
Все новости