Виртуальная галерея Петра Кончаловского
Садик под Римом. Персики в цвету. 1904
Свои первые художественные навыки Петр Кончаловский получил еще в детстве. В 1880 году он поступил в Харьковскую частную школу Раевской, где начал учиться рисунку. В 1889 году с семьей переезжает в Москву, где продолжает занятия живописью на вечерних курсах Строгановского училища технического рисования. Портрет сестры Виктории Петровны Кончаловской видит Василий Суриков и отмечает «испанский» колорит молодого художника.
Благодаря издательской деятельности отца, Петр Кончаловский знакомится с живописцами Василием Суриковым, Валентином Серовым, Михаилом Врубелем и другими. Часто посещает мастерскую Валентина Серова и Константина Коровина. Работы второго особенно сильно влияют на молодого художника.
Конец 1890-х начало 1900-х годов – время учебы и активного поиска собственного творческого пути. В это время Кончаловский пробует себя как живописец, театральный и книжный оформитель и даже как скульптор. Так в соавторстве с Михаилом Врубелем исполняет оформление лестницы морозовского особняка в Москве, на улице Спиридоновка.
В 1895 году на французской художественно-промышленной выставке в Москве Кончаловский знакомится с работами импрессионистов. Сильное впечатление на него производят «Стога» Моне. Уже в следующем году, следуя совету Константина Коровина, Петр Кончаловский едет учиться живописи в Париж в Академию Р. Жюльена. Там изучает живопись Ван Гога и Сезанна, много путешествует по стране и пишет серию этюдов на деревянных дощечках. Мастерство молодого художника отмечают преподаватели. Его рисунок отмечен наградой и вывешен как образец на стене Мастерской.
Вернувшись в Россию в 1898 году, Петр Кончаловский поступает в Высшее художественное училище при Академии художеств в Петербурге. Художник много ездит по стране и за рубеж. В эти годы продолжает пробовать себя как театральный и книжный оформитель. Но главная его работа сосредоточена вокруг изучения и зарисовок природы.
После женитьбы на Ольге Васильевне Суриковой в феврале 1902 года отправляется вместе с семьей Суриковых в Сибирь, в Красноярск, где пишет этюды. Картины отмечены преподавателями художника и выставлены на академической выставке. Самого же Петра Кончаловского собственные работы не удовлетворяют, и многое из написанного в эти годы он самолично уничтожает.
В 1905 году Петр Кончаловский совершает поездку на Север. В Кандалакше, прямо на берегу пишет картину «Рыбаки тянут сети» (смыта автором в 1935 году). По возвращении в Петербург устраивает выставку одной картины и этюдов к ней. В 1907 году он получит за это полотно звание художника.
Виртуальная галерея Петра Кончаловского
Белкино. Садик. 1907
2/8
Дом в Белкине. 1907
Холст, масло. 88х80
3/8
Садовник. 1908
4/8
Версаль. Плющи. 1908
Холст, масло. 71,8х96,7
5/8
Франция. Гора Лаванду. 1908
Холст, масло. 73х92
6/8
Франция. Немур. 1908
Холст, масло. 60х81
7/8
Париж. Мальчик с яблоком. 1908
Холст, масло. 60х48,2
8/8
Сан-Максим. Пальмы. 1908
Холст, масло. 73,2х92,5
Белкино. Садик. 1907
Летом 1907 года Петр Кончаловский оканчивает учебу в Высшем художественном училище при Академии художеств в Петербурге и получает звание художника. Его все больше увлекают импрессионисты. Летом он гостит в усадьбе Белкино, где пишет ряд этюдов в импрессионистической манере («Дом в Белкине», «Белкино. Садик»).
Спустя несколько месяцев, Петр Кончаловский отправляется сперва в Германию, а затем – во Францию, где проводит два года. Там он изучает живопись Ван Гога и Сезанна. По его словам, «при первом же взгляде, Ван Гог захватил внутренним драматизмом своей живописи и тронул, прямо до слез».
Кончаловского покорила открытая эмоциональность живописи Ван Гога, которая проявлялась в самом движении кисти, динамичном мазке, повышенной энергии цвета. Чтобы лучше понять живопись мастера, Кончаловский едет в город Арль, в котором работал Ван Гог. Там Петр Кончаловский пишет ряд пейзажей и картину «Арлезианка».
А.А. Федоров-Давыдов в статье «Природа стиля» (1929) так характеризовал живописные работы Кончаловского этого периода: «Процесс превращения дополнительных тонов во взаимодействующие цвета можно проследить и в эволюции молодого П.П. Кончаловского, в эту эпоху типичного «неопримитивиста». Более непосредственно связанный с французской живописью, он проходил этот путь проще и нагляднее, не имея дела в своей «импрессионистической» стадии с пресловутой «дымкой».
Его «Немур. Франция» (1907-08) – образчик импрессионистического «оптического смешения» тонов. Небо образует мазки всех оттенков синего, розового, лилового, участвующего и в передаче стволов деревьев, их листва составляется из массы тонов зеленого и желтого, стены домов – из желтого, розового, красного, синего, лилового, бледно-зеленого коллора. Но уже в «Пальмах» (1907) цвет уплотняется, дополнительные тона образуют самостоятельные соседствующие в передаче зелени, а в цветах на грядах – контрастирующие красное и зеленое; между ними куски незаписанного холста также играют цветовую роль; но почва еще дается тональностями розово-желто-коричневого».
В 1909 году Петр Кончаловский возвращается в Москву, где исполняет плафон для гостиной в доме купца Маркушева. Чуть позже получает дополнительный заказ на четыре панно для столовой: «Сбор винограда», «Сбор оливок», «Жатва», «Посадка герани».
Лето он проводит в подмосковной усадьбе Саввы Мамонтова «Абрамцево». Там Петр Кончаловский продолжает работать в импрессионистической манере, много пишет пейзажи, портреты, натюрморты.
Виртуальная галерея Петра Кончаловского
Автопортрет. 1910
Холст, масло. 101х79
2/18
Агава. 1916
Холст, масло. 80х88
3/18
Бой быков. 1910
Холст, масло. 133,5х176
4/18
Бой быков в Севилье. 1910
Холст, масло. 54х64,5
5/18
Ирисы. 1911
Холст, масло. 100х81
6/18
Испанка. 1910
Холст, масло. 82,5х64,5
7/18
Испанский танец. 1910
Холст, масло. 138х108
8/18
Наташа в кресле. 1915-1916
Холст, масло. 129х92
9/18
Натюрморт. Поднос и зеленая картонка. 1912
Холст, масло. 80,5х100
10/18
Натюрморт. Пиво и вобла. 1912
Холст, масло. 75,5х48
11/18
Портрет историка В.С. Протопопова. 1911
Холст, масло. 160х135
12/18
Портрет художника Г.Б. Якулова. 1910
Холст, масло. 176х143
13/18
Семейный портрет (на фоне китайского панно). 1911
Холст, масло. 178х239
14/18
Семейный портрет (сиенский). 1912
Холст, масло. 226х290
15/18
Сиена. Порта Фонтебранда. 1912
Холст, масло. 96х81
16/18
Сухие краски. 1912
17/18
Хлебы на зеленом. 1913
Холст, масло. 99,3х98,7
18/18
Чайная в Хотьково. 1911
Холст, масло. 81х124,5
Автопортрет. 1910
Холст, масло. 101х79
Десятые годы ХХ века – яркие и самобытные в творческой жизни Петра Кончаловского. В 1910 году вместе с Василием Суриковым он снова едет во Францию, а затем – в Испанию. Там художник знакомится с творчеством Диего Веласкеса. Испанская живопись изменяет палитру Кончаловского. Колорит теплеет, оттенки становятся сумрачными. Художник стремиться достичь испанского «упрощенного синтетического цвета».
К испанской серии относятся картины «Дом», «Любитель боя быков», «Испанская комната», «Матадор Мануэль Гарта» и «Бой быков». В работе «Бой быков» художник стремится сделать быка похожим на народную игрушку, чтобы придать образу характерности.
«Первоначально я написал «Бой быков» совсем реально, Суриков считал эту вещь замечательной по жизненности передачи, а мне не нравилась она. Хотелось сделать быка характернее, не таким, каким его все видят, а похожим на примитив, на игрушку», – вспоминал позже Кончаловский. Народная традиция надолго увлекла художника. Его внимание привлекают уличные вывески, их эмоциональная яркость, достигнутая самыми скупыми художественными средствами.
В 1910 году художник возвращается в Москву и становится одним из основателей художественного общества «Бубновый валет». Художниками общества осознается необходимость «работать по новому и вполне определенному методу».
Одна из центральных работ этого времени – «Портрет художника Георгия Богдановича Якулова». По словам живописца, он постарался «противопоставить излюбленной многими художниками миловидности, причесанности и прилизанности портрета то, что считалось, по общему мнению, безобразным, а на самом деле было чрезвычайно красивым, показать самый характер Якулова».
Параллельно увлечению испанской живописью сохраняется интерес художника к творчеству Поля Сезанна. В 1912 году издается книга Э. Бернара «Сезанн, его неизданные письма и воспоминания о нем» в переводе художника.
В марте семья Кончаловских сопровождает Василия Сурикова в Германию и Италию. Там художник изучает фрески Синьорелли, Симоне Мартине, Беноццо Гоццоли, Пьеро Поллайоло. У старых мастеров он учится строению композиции, уплощению формы.
Влияние «фрескового» стиля видно в композиции и цветовом решении картины «Семейный портрет». Эта работа написана в Сиене, где художник жил в 1912 году. «Именно в Сиене, – рассказывал Кончаловский, – я обратил почему-то внимание на то, что живые люди садятся иной раз в итальянской комнате так, будто они позируют для фрески. Сама жизнь подсказала мне для сиенского портрета это фресковое, круговое построение. Круглоту композиции, ее пространственность особенно четко показывала здесь дверь с лестницей за спиной жены, в самой высокой точке полукружия. Сиена и дала мне ту монументальность в композиции, которая есть в этом портрете. В цветовом его решении я держался примитивных упрощенных тонов – в фресках тоже все страшно упрощено».
В ряде работ 1912 года можно проследить явное влияние Сезанна и живописи кубистов. Метод кубизма помог Кончаловскому научиться извлекать из природы наиболее характерное, лучше понять построение композиции. По примеру кубистов художник пишет ряд натюрмортов, вводя в композицию бумажные наклейки. Это, по мнению мастера, заставляет художника повышать качество живописи, доводя ее до реалистичности, добиваться «осязаемой передачи вещности предметов, отнюдь не впадая в натуралистические крайности».
Летом 1914 года художник с семьей отправляется в Красноярск. По пути, на Урале, его застает известие о начале войны. Кончаловский мобилизован как офицер-артиллерист. На войне он пишет несколько акварелей как памятки товарищам по службе. Так же во время двухмесячного пребывания в Москве в 1915 году пишет портрет «Наташа в кресле». Другой важной работой этого периода можно считать картину «Скрипка». Картина написана в нетипичной для художника суховатой манере и может считаться сигналом о наступлении нового периода. В натюрмортах, написанных в 1916 году, наблюдается поворот к реализму.
Виртуальная галерея Петра Кончаловского
В мастерской. Семейный портрет. 1917
Холст, масло. 256х355
2/5
Мост. 1920
Холст, масло. 82,5х94,5
3/5
Мост в Наре. Ветер. 1917
Холст, масло. 95х119
4/5
Натурщица у печки. 1917
Холст, масло. 134х108
5/5
Портрет скрипача Г.Ф. Ромашкова. 1918
Холст, масло. 143х105
В мастерской. Семейный портрет. 1917
Холст, масло. 256х355
В 1917 году Кончаловский получает освобождение от воинской повинности и возвращается в Москву. По собственному признанию, к концу военной службы он почувствовал необходимость поиска новых путей в живописи. Вместе с семьей художник отправляется в Крым, где пробует писать в новой для себя манере. Отмечают работы этого периода: «Натурщица у печки», написанная широко и обобщенно, и «В мастерской. Семейный портрет».
«И в этом портрете, в фигуре дочери, я именно хотел спорить с самою жизнью. Другое дело – насколько мне удалось, но я хотел именно этого. Когда писал в портрете косу у дочери, чувствовал себя так, будто заплетаю косу живому существу и наслаждался этим чувством. Наслаждался сознанием, что при помощи краски орехового цвета можно сплести в конце концов совсем живую косу, сплести ее так, что в косе будет ощутимо чувствоваться живой волос живого человека…», – признавался художник.
В 1918 году явно определяются изменения, произошедшие в живописи Петра Кончаловского. Очевидно, изменяется его отношение к цвету и свету. Атмосфера картин становится воздушной. Начинается эпоха «завоевания цвета и воздуха». В качестве примера пейзажей, отражающих произошедшие перемены, можно привести работы: «Станция Нара», «Река», «Мост в Наре».
Формы все еще лаконичны и упрощены, однако, статике архитектурных форм теперь противопоставляется движение воздуха. В этом же 1918 году Кончаловский пишет картину «Скрипач», первый в его творчестве портрет, где человеческая фигура не статична и находится в движении. Сам художник говорил, что портрет оказался поворотным в его живописи, и если до этого его притягивала именно «вещность» природы, то теперь его задачей было передать одухотворенное состояние музыканта.
«Воспринимая баховскую музыку, как математику и геометрию, я и портрет хотел построить как известную геометрическую фигуру, до такой степени казалась мне ясной эта скрытая в звуках математика. Музыкальные ноты как-то сами собою обращались в окрашенные плоскости холста, самые ничтожные музыкальные намеки раскрывали какие-то глубочайшие истины живописи…», – рассказывал Петр Кончаловский о работе над картиной.
Пейзажи 1919 года отражают интерес живописца к мотивам подмосковной природы, ранее встречавшиеся на его работах лишь эпизодически. Так, лето следующего года он решает провести в Абрамцеве, где много пишет абрамцевскую дубовую рощу и сельские пейзажи. В абрамцевских пейзажах он ставит задачу изображать деревья так, чтобы они «не торчали из земли», а логически из нее вырастали.
Отдельное место занимает работа над изображением нагого человека в природе. Художник пытается вписать в пейзаж обнаженную фигуру так, чтобы не чувствовалось никакого искусственного соединения, пытается достичь целости и однородности композиции. В связи с этими поисками он обращается к теме «купания» и пишет такие работы, как «Купальщицы», и «Купающиеся мальчики».
Однако на данном этапе, пейзаж все еще подчинен фигуре, а композиции строятся слишком торжественно и монументально. С этого периода изображение обнаженного тела в природе становится одним из постоянных явлений в живописи художника.
Автопортрет с женой. 1923
В 1922 году в Государственной Третьяковской галерее открылась первая персональная выставка Петра Кончаловского. В экспозицию вошли рисунки и холсты, написанные с 1907 по 1922 годы. Это был своего рода итог, первый публичный показ всего творческого пути художника.
Лето 1922 и 1923 гг. Кончаловский проводит под Москвой, в селе Крылатском. Там он продолжает работать над проблемой изображения обнаженной натуры в природе, пишет серию подмосковных пейзажей и первых жанровых картин. К этому периоду относятся работы «Луна в ветвях», «Рассвет», «Ночной пейзаж», «Овраг», «Купающиеся инвалиды», «Перед зеркалом», «Жатва», «Жницы», «Сбор урожая».
С начала двадцатых годов можно говорить о переломе в живописи художника, отказе от кубизма и «сезанизма». Его картины теперь ближе к реалистической традиции в русской живописи.
Выдающейся работой, этого времени, несомненно, является «Портрет художника и его жены» 1923 г. «Портрет 1923 г. обдумывался и прорисовывался у меня очень долго – признавался Петр Кончаловский. Хотелось, чтобы в нем не было никакой яркости красок, чтобы весь он был насыщен тоном, свето-тенью. Именно не «делать» предмет, не передавать признаки его вещности, а «писать», вводить предмет в живописную его среду стремился я в этот раз».
К периоду с 1924 по 1927 годы относятся три цикла работ живописца, написанные во время поездок в Италию, Великий Новгород и на Кавказ. В Венеции Кончаловский увлекается творчеством Тинторетто и делает много зарисовок с его картин. Пишет восемь этюдов в том числе «Дом Тинторетто». В Сорренто пишет серию этюдов: «Везувий утром», «Везувий вечером», «Везувий сквозь деревья», «Везувий или оливковая роща». По признанию самого художника, во время итальянского путешествия он не ставил себе задач аналитического порядка, а писал, поддаваясь влиянию природы.
Новая живописная серия рождается у мастера в Великом Новгороде, куда он едет с семьей после возвращения в Россию. В 1926 году пишет картину «Возвращение с ярмарки». Здесь художник постарался насытить движением все: «и перерезанную парусниками гладь озера, и бегущих лошадей, и движение телеги. Так хотелось верно передать динамику, что я сам бегал рядом с мчащейся телегой, чтобы уловить, как располагаются во время бега лошадиные ноги» – вспоминал Петр Кончаловский. Тогда же художник исполняет многочисленные пейзажи и изображение Игумена Виссариона, где художник воплощает в живописи два различных аспекта человеческой жизни.
В 1927 году Петр Кончаловский был приглашен к участию в выставке советского искусства в Японии. Так он знакомиться с японским художником Ябе-Сан, и пишет его портрет.
Следующие два года Петр Кончаловский активно путешествует по Грузии и Крыму. Сам художник оценивает свои поездки, как крупнейшие явления творческой жизни за последние годы. В этот период он создает картины «Мцыри. Гроза», «Мцхет. Сандро-Сакля», «Ковка буйвола». Параллельно снова посещает Новгород. Теперь особое внимание уделяется новгородцам («Рыбный рынок», «На Ильмень-озере»). Там же мастер открывает для себя живописный мотив — пейзаж сквозь комнатное окно.
В это же время Петр Кончаловский пишет много натюрмортов, среди которых преобладают «курительные натюрморты» и цветы.
Виртуальная галерея Петра Кончаловского
Бахчисарай. Общий вид. 1930
2/7
Петух в корзине. 1930
3/7
Катенька у стула. 1932
4/7
Ленинград. Домик Петра Великого в летнем саду. 1931
5/7
Пейзаж с луной. Большая Садовая улица. 1931
Холст, масло. 59,5х79
6/7
Натюрморт. Пионы в корзине. 1935
Холст, масло. 92х103
7/7
Портрет режиссера В.Э. Мейерхольда. 1938
Холст, масло. 234х210
Бахчисарай. Общий вид. 1930
В 1930-е годы Петр Кончаловский активно работает как театральный оформитель. Он выполняет эскизы декораций и костюмов к спектаклям Большого театра, Экспериментального театра в Москве и МХАТа.
Также художник продолжает путешествовать и посещает Грузию и Крым. Летом 1930 года Кончаловский отправляется в Бахчисарай и Симеиз. Там пишет серию пейзажных этюдов и зарисовки для жанровой картины «Вышивальное отделение первого ткацкого коллектива в Бахчисарае». Саму картину художник исполняет уже по возвращении в Москву.
Одно из центральных полотен этого периода – портрет А.С. Пушкина. Художник решает изобразить поэта в момент его утренней творческой работы, сидящим на зеленом диване в рубашке, поджав по-восточному ноги.
В 1930 году Кончаловского увлекает жизнь русской деревни. В это время он пишет многочисленные сельские пейзажи, а также изображения домашних животных и птиц. Характерными работами являются: «Куры», «Петух в корзине», «Картинка для детей».
Летом художник живет в Барвихе под Москвой, а осенью отправляется в Ленинград и затем в Рязань, где пишет серию пейзажей. Одной из самых сильных своих вещей написанных в Ленинграде, он считает масляный этюд «Домик Петра в Летнем саду».
Зимой 1932 года Петр Кончаловский приобретает дачу в Буграх, часть бывшей усадьбы Белкино. Там он проводит большую часть времени в период с 1933 по 1935 год. В Буграх созданы многочисленные пейзажи, жанровые этюды, цветы и портреты выдающихся деятелей культуры. Среди них портреты С.С. Прокофьева, В.В. Софроницкого, А.О. Степановой, Н.С. Голованова, А.Н. Толстого, К.С. Симонова, В.Г. Дуловой, А. Довженко, С.Я. Маршака и многих других.
В 1937 году художник едет в Кировск и Апатиты, а в следующем году посещает Хохлому. Там он работает над картиной «Хохломские рисовальщицы».
Одно из важнейших полотен этого периода – портрет Всеволода Мейерхольда. Он выполнен в 1938 году – накануне ареста режиссера. Кончаловского как портретиста никогда особенно не занимали психологические задачи, портреты-биографии, «рассказанные» в картинах жизненные истории.
Это говорит о том, что и в портрете Мейерхольда художник не ставил перед собой подобной задачи. И все же его художественная интуиция и талант помогли создать блестящее живописное произведение, где за внешней безмятежностью чувствуется глубокий трагизм.
Виртуальная галерея Петра Кончаловского
Дети в парке. 1940
2/7
Лермонтов М.Ю. 1943
3/7
Натюрморт. Сирень , ведро и лейка. 1955
4/7
Весна в Москве. Конюшковская улица. 1943
5/7
А.Н. Толстой у меня в гостях. Между 1940 и 1941
Холст, масло. 142х168
6/7
Натюрморт. Красный поднос и рябина. 1947
Холст, масло. 85,2х102,5
7/7
Полотер. 1946
Холст, масло. 171х143
Дети в парке. 1940
С конца 1930-х годов Петр Кончаловский почти безвылазно живет на даче в Буграх. Деревенский дом художника показан на многих полотнах. Но особую атмосферу он создает в одной из самых значительных работ начала 1940-х – в портрете писателя Алексея Николаевича Толстого. Не случайно картина названа: «Толстой в гостях у художника». На ней «советский граф» изображен за накрытым старинной посудой столом, с рюмкой в руке. Этот бытовой пласт в портрете играет не меньшую роль, чем лицо модели. Портрет казался бы апофеозом гедонистического отношения к жизни, если бы предметной роскоши первого плана соответствовал облик Толстого. Но его лицо трактовано более сложно: в нем акцентирована не плотское начало или бездумная радость жизни, а тонкость черт, ум, спокойная благожелательность.
В начале 1940-х Кончаловский заканчивает восьмилетнюю работу над портретом А.С. Пушкина, а через два года приступает к портрету М.Ю. Лермонтова. Поэт изображен во время кавказской ссылки. Специально для работы над полотном, художник изучает воспоминания о Лермонтове, его прижизненные изображения, быт и костюмы того времени.
С началом Великой Отечественной войны Кончаловский с семьей остается в Москве, где создает картины военных лет, например, «Где здесь сдают кровь?» (1942). В это же время пишет три московских весенних пейзажа, три сирени, три букета, два автопортрета, портрет Л.И. Толстой и С.Н. Тройницкого.
В 1944-45 гг. – выполняет эскизы и декорации к опере Ж. Бизе «Кармен» для Государственного академического Большого театра СССР.
В 1946 году – пишет натюрморт «Апельсины и мятая бумага», посвященный П.П. Чистякову, а также создает жанровую картину – «Полотер», написанную в точной, уверенной живописной манере.
Ко второй половине 1940-х годов относится большое количество портретов, часто камерного характера. Можно отметить портрет хирурга А.А. Вишневского (1951) или длинный ряд портретов внуков художника, как, например, картины: «Маргот танцует» (1949), «Андрон с собакой» (1949), «Маргот с кошкой» (1948).
Также в послевоенные годы создаются многочисленные пейзажи, картины с изображением народной жизни на фоне русской природы – «С покоса», «Гребут сено», натюрморты – «Полевые цветы на фоне зеленых жалюзи», «Шиповник на фоне белой изразцовой печки», «Вино и ветчина», ряд картин «Сирени»). Работами этого периода художник как бы суммирует свой творческий опыт. Он стремится к синтезу в живописи и снова начинает писать большие полотна.
